Análise do poema: A Jesus Cristo Nosso Senhor

A Cristo S. N. Crucificado, estando o poeta na última hora de sua vida.

Pequei, Senhor, mas não porque hei pecado,

Da vossa alta clemência me despido;

Porque, quanto mais tenho delinqüido,

Vós tenho a perdoar mais empenhado.

Se basta a vos irar tanto pecado,

A abrandar-vos sobeja um só gemido:

Que a mesma culpa, que vos há ofendido,

Vos tem para o perdão lisonjeado.

Se uma ovelha perdida e já cobrada

Glória tal e prazer tão repentino

Vos deu, como afirmais na Sacra História,

Eu sou, Senhor, a ovelha desgarrada,

Cobrai-a; e não queirais, Pastor Divino,

Perder na vossa ovelha a vossa glória.

Vocabulário

Clemência: perdão, indulgência.

Desgarrada: perdida, pecadora.

Despido: despeço.

Delinguido: pecado.

Sobeja: é necessário.

Cobrada: recuperada.

Sacra História: as Sagradas Escrituras.

"O que vos parece? Suponhamos que um homem possua cem ovelhas e uma se extraviou. Não deixará ele as noventa e nove na montanha para ir buscar a ovelha que se extraviou?"

Mt 18:12

O exemplo mais conhecido de sua literatura sacra é o soneto A Jesus Cristo Nosso Senhor. Numa curiosa dialética, o poeta apela para a infinita capacidade de Cristo em redimir os piores pecadores, alegando que a ausência de perdão representaria o fim da glória divina. Trata-se, pois, de um poema simultaneamente contrito e desafiador, humilde e presunçoso.

Baseia-se numa passagem do Evangelho de S. Lucas, precisamente no capítulo 15, versículo 2 a 7, onde Jesus Cristo conta-nos a parábola (uma narrativa curta que transmite um conteúdo moral) da ovelha perdida e conclui dizendo que ´´há grande alegria nos céus quando um pecador se arrepende de seus pecados.``

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A estrutura formal desse soneto de Gregório de Matos apresenta o esquema de rimas interpoladas nos quartetos (ABBA ABBA) e emparelhada nos tercetos (CDE CDE), com versos decassílabos (predominantemente heróicos). Decassílabos são os versos de dez sílabas poéticas, também chamado de ´´medida nova``, pois foi muito utilizado durante o Renascimento em oposição às redondilhas medievais, chamadas de ´´medida velha``. A estrutura do soneto permite escrever um modelo de tese e antítese, seguidas de uma conclusão, expressa no último terceto ou no último verso desse terceto, a chamada ´´chave-de-ouro``.

Gregório de Matos exemplifica de forma brilhante aquilo que chamamos de conceptismo barroco: através de uma tese, uma afirmação – a da consciência do pecado – a que se segue uma antítese, uma contradição à tese (Pequei, Senhor – tese; mas não porque hei pecado / Da vossa alta clemência me despido – antítese), o poeta chega à síntese, isto é, à unidade da tese com a antítese, provando que o fato de ser pecador deve garantir a ele o perdão de Deus.

Na primeira estrofe, por exemplo, o elo entre tese e antítese – consciência do pecado e busca da salvação – é a idéia de que quanto mais há pecados mais há empenho, da parte de Deus para o perdão. Por quê? A explicação está na segunda estrofe, onde o poeta coloca a questão fundamental para a compreensão do poema: trata-se do seu maior argumento, a do arrependimento. Através dele – “o gemido” do pecador – toda a ira de Deus se abranda, e conseqüentemente a mesma culpa que gerou tanta ira, transforma-se em motivo de salvação. Não podemos esquecer, entretanto, que este argumento é hipotético, é um argumento que no fundo questiona Deus, inclusive através da citação do Evangelho. (veja a terceira estrofe).

Finalizando, podemos dizer que, de acordo com o poema, se Deus é Deus, ou seja, se a Sacra História (perífrase = bíblia; o poeta constrói um intertexto ) é verdadeira, se a volta de uma ovelha desgarrada ( metáfora de pecador) é motivo de glória e prazer, o poeta identifica-se com a ovelha, merecendo, portanto, a salvação.

Os dois últimos versos não só concluem de forma excepcional as argumentações que verificamos, mas também chegam a usar como forma de persuasão a “chantagem”: Cobrai-a, e não queiras , Pastor divino ( perífrase = Cristo) / Perder a vossa ovelha a vossa glória, ou seja, só existe salvação se existir o pecador, se existir o que está perdido. O salvador também depende do pecador.

O poema é predominantemente conceptista, dada a estrutura lógico-argumentativa, o jogo de idéias e o emprego da parábola. Porém, as inversões sintáticas (hipérbato), as antíteses, o requinte vocabular e a sugestão sonora do ´´gemido`` também associam o texto ao cultismo.

Análise do soneto: ´´À mesma D. Ângela`` - Gregório de Matos

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Rompe o poeta com a primeira impaciência querendo declarar-se e temendo perder por ousado

Anjo no nome, Angélica na cara,
Isso é ser flor, e Anjo juntamente,
Ser Angélica flor, e Anjo florente,
Em quem, senão em vós se uniformara?

Quem veria uma flor, que a não cortara
De verde pé, de rama florescente?
E quem um Anjo vira tão luzente,
Que por seu Deus, o não idolatrara?

Se como Anjo sois dos meus altares,
Fôreis o meu custódio, e minha guarda
Livrara eu de diabólicos azares.

Mas vejo, que tão bela, e tão galharda,
Posto que os Anjos nunca dão pesares,
Sois Anjo, que me tenta, e não me guarda.

Vocabulário

Florente: florescente, brilhante, esplendente.

Uniformar: converter em uma só forma coisas diversas.

Rama: ramos e folhagens de árvores.

Luzente: brilhante.

Idolatrar: adorar, amar cegamente.

Custódio: anjo da guarda, protetor.

Diabólico: funesto, terrível, satânico.

Azar: agouro, infelicidade, desgraça.

Galharda: garbosa, esbelta, elegante

Pesar: desgosto, mágoa, tristeza.

Tentar: provocar, seduzir, instigar para o mal.

James Amado, baseando-se em grande parte no códice de Manuel Pereira Rabelo (primeiro biógrafo – século XVIII), organizou um ciclo dos poemas endereçados a D. Ângela de Sousa Paredes Rabelo, segundo a evolução do relacionamento amoroso, que termina com Gregório sendo rejeitado em favor de outro.

O soneto transcrito (o sétimo poema do ciclo “Ângela”) revela muito do estilo cultista adotado por Gregório em suas composições. Desenvolve-se por meio do jogo de palavras e imagens: “Ângela” = “Angélica” = “Anjo”, “flor” = “florente”. Gregório segue uma tradição explorada por Shakespeare e Camões ao comparar a beleza da mulher à natureza.

Dica

Nesse soneto, nota-se um paradoxo, uma contradição que organiza o poema como um todo: a figura feminina é, ao mesmo tempo, anjo e flor, espírito e matéria. Essa oposição complementar atinge seu ápice no fechamento da última estrofe, em que o eu do poema afirma: "Sois anjo, que me tenta, e não me guarda". O feminino, portanto, eleva-se ao plano celestial, mas conserva em si a tentação como característica fundamental.

Pode-se dizer que a lírica de Gregório de Matos estabelece uma espécie de continuidade em relação à poesia amorosa que tem sua origem em Petrarca e Camões, principalmente no uso da forma soneto e na visão do amor como um sentimento marcado pela idealização da mulher amada. O estilo do poeta baiano traz em si o jogo entre a sensualidade e a espiritualidade reunidas em uma única forma ("Em quem, senão em vós, se uniformara"). Essa tradição da mistura de mulher sagrada e profana, sutil muitas vezes na poesia  de Petrarca e de Camões, chega ao extremo na poesia lírica de Gregório.

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O esquema rimático é: ABBA / ABBA / CDC / DCD. Quanto à disposição ou ligação entre os versos, nas quadras: rima interpolada entre o primeiro e o quarto versos (porque entre os dois versos que rimam há mais do que um de rima diferente) e emparelha entre o segundo e o terceiro versos (rimam dois a dois); nos tercetos, a rima é cruzada (porque entre os dois versos que rimam há apenas um de rima diferente).

O tema central é o caráter contraditório dos sentimentos do poeta pela mulher, que é simultaneamente flor (metáfora da beleza) e objeto do desejo, e anjo (metáfora da pureza) e símbolo da elevação espiritual. Podemos, em primeiro lugar, observar o uso dos trocadilhos anjo (ângelus em latim, daí vem Ângela, angélico) / Angélica (do latim Angelicus, pura como um anjo e também o nome de uma flor que inspira sensualidade) na construção imagética do poema: trata-se de uma mulher de nome e feições angelicais, tão bela que se assemelha a uma flor. 

O poeta trabalha com essas duas entidades – flor e anjo – que se irmanam pela beleza, mas que se distanciam pela duração. A flor significa brevidade, enquanto que o anjo é ser eterno. Essa duplicidade emerge do nome da mulher amada, cuja beleza indiscutível lança o poeta em tensão.

Na primeira  e segunda estrofe, por exemplo, o eu lírico começa a esboçar uma imagem de mulher construída a partir de duas palavras, que associa ao seu nome e ao seu rosto: flor (´´Angélica na cara``) e anjo (´´Anjo no nome``). Aqui podemos perceber a presença de uma contradição, já que a mulher amada é anjo (plano espiritual) e flor (plano material): estas duas antíteses (recurso estilístico que busca a unidade entre elementos que se opõem) ao mesmo tempo em que marcam a dualidade, marcam também a tentativa de unificação. Tentativa cuja base é a beleza: beleza que quando associada à flor tende a ser breve, destruída (´´Quem veria uma flor, que a não cortara``), e quando associada a anjo, tende a ser idolatrada, glorificada, eternizada (´´E quem um Anjo vira tão luzente,`` /´´Que por seu Deus, o não idolatrara?``)

No primeiro terceto o eu lírico já pronuncia o paradoxo que ele explicará no final do poema. Como a sua amada representa a figura de um anjo, a quem ele constantemente adora (´´Anjo sois dos meus altares``) o natural seria guardá-lo das tentações, auxiliá-lo, livrá-lo de ´´diabólicos azares``.

A última estrofe começa com a conjunção adversativa ´´Mas`` dando prosseguimento ao raciocínio da estrofe anterior, deixando clara a contradição que há na condição de sua amada. E a dualidade inicial, que antes vacilava entre o metafísico e o botânico, reduz agora seu campo de alcance e se concentra num só ente: o anjo. Mas um anjo dual, que tenta e não guarda. Um anjo que não se identifica, apenas e necessariamente, com o bem.

O toque barroco aparece no jogo de contradições revelado nos dois tercetos: se essa bela mulher é um anjo, como é possível que, em lugar de garantir proteção, cause apenas tentação ao eu lírico? A contradição entre o amar e o querer desemboca no paradoxo dos versos finais: “Sois Anjo que me tenta e não me guarda.”

Assim, o soneto que se inicia com a louvação de uma beleza angelical, encerra-se como advertência contra uma tentação demoníaca. Esse é um bom exemplo do desenvolvimento da lírica amorosa na obra de Gregório, que mantém viva a tensão entre a imagem feminina angelical e a tentação da carne que atormenta o espírito.

Análise: poesia lírico-amorosa ( Gregório de Matos)

Quis o poeta embarcar-se para a cidade e antecipando a notícia à sua senhora, lhe viu umas derretidas mostras de sentimento em verdadeiras lágrimas de amor.

Ardor em coração firme nascido!
Pranto por belos olhos derramado!
Incêndio em mares de água disfarçado!
Rio de neve em fogo convertido!

Tu, que um peito abrasas escondido,
Tu, que em um rosto corres desatado,
Quando fogo em cristais aprisionado,
Quando cristal em chamas derretido.

Se és fogo como passas brandamente?
Se és neve, como queimas com porfia?
Mas ai! que andou Amor em ti prudente.

Pois para temperar a tirania,
Como quis, que aqui fosse a neve ardente,
Permitiu, parecesse a chama fria.

Vocabulário:

Porfia: insistência, perseverança, obstinação.

O texto apresentado é um soneto lírico de Gregório de Matos. Os versos, quanto ao número de sílabas, são decassílabos heróicos (sendo o primeiro verso decassílabo sáfico) e o esquema rimático obedece a seguinte formação: ABBA ABBA (rimas intercaladas nos quartetos) CDC DCD (rimas alternadas nos tercetos).

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Atividades propostas

1) Quais são os dois elementos da natureza que  se opõem e representam as contradições que o sentimento amoroso desperta no eu lírico?

a) O que cada um deles simboliza no poema?

b) Nas duas primeiras estrofes, quais são as imagens e metáforas utilizadas pelo eu lírico para fazer referência a esses elementos?

2) Releia.

“Incêndio em mares de água disfarçado;

Rio de neve em fogo convertido:”

a) Qual é a figura de linguagem que indica a tensão entre os opostos? Explique.

b) Há outros exemplos dessa figura no poema? Quais?

c) O Barroco apresenta não apenas o confronto dos opostos, mas também sua fusão ou aproximação. Como ela pode ser observada nos versos transcritos?

3) Quem é o interlocutor a que o eu lírico se refere na segunda e na terceira estrofe?

a) Como ele é caracterizado?

b)Qual é o questionamento feito pelo eu lírico nesses versos?

4) No soneto, vemos a habilidade de Gregório de Matos em trabalhar a linguagem para conciliar os opostos. Releia os versos a seguir, observando os trechos destacados em negrito e em itálico.

“Se és fogo, como passa brandamente,

Se és neve, como queimas com porfia?”

“Como quis que aqui fosse a neve ardente,

Permitiu parecesse a chama fria.”

a) No início do poema, o eu lírico apresenta a oposição entre o calor e o frio, o fogo e a água, a paixão e a contenção (ou refreamento).  Explique de que maneira os dois primeiros versos transcritos acima encaminham a fusão que ocorrerá entre esses elementos opostos no fim do poema.

b)As expressões destacadas nos dois últimos versos são paradoxos, construídos a partir da oposição dos mesmos elementos: frio x calor; fogo x neve. Elas encerram o mesmo sentido? Por quê?

c) Considerando que a neve simboliza a prudência/o controle e o fogo, a paixão, qual o significado no contexto do poema, das expressões “neve ardente” e “chama fria”?

5) O eu lírico afirma que o Amor “temperou” sua tirania. De que maneira isso foi feito? Por quê?

Neste poema está mais evidente a presença da contradição do sentimento amoroso para os poetas barrocos. O eu lírico aqui contrapõe principalmente dois elementos extremamente contraditórios por sua própria natureza, o fogo e o gelo, para falar do que sente pelo ser amado.

O poema se inicia mostrando a causa e o efeito de um conflito. Na primeira estrofe, o poeta caracteriza seus sentimentos. O sofrimento é nitidamente evidenciado ao colocar como sinônimo de amor ardor (fogo, paixão impetuosidade) e pranto( derramamento, fragilidade, tristeza). A causa – ´´ardor`` – nasce em firme coração, lugar seguro, impenetrável pela observação. No segundo verso, o efeito se exterioriza: ´´ Pranto por belos olhos derramados``. O exagero sentimental nesses dois primeiros versos se faz com a utilização da hipérbole.

Os dois versos que se seguem têm as palavras iniciais ´´incêndio``, que retoma ´´ardor``, e rio, que retoma pranto, e apresentam um jogo de oposições que revelam as contradições de um dado sentimento – uma relação interna de contrários denominada paradoxo: ´´Incêndio em mares de água disfarçado!``(que constitui também uma metáfora de lágrimas) e ´´Rio de neve em fogo convertido!``

Simetricamente aos dois primeiros versos do poema decorrem os dois primeiros versos do segundo quarteto. A causa é sempre oculta e vem expressa no adjetivo ´´escondido`` (v.5) e o efeito vara o círculo da contenção interna para um caráter externo.O efeito concreto de uma causa oculta seria ´´em um rosto corres desatado.``

Os últimos versos do segundo quarteto condensam as ideias anteriormente expressas, repetindo o jogo de oposições: fogo, em cristais aprisionado; cristal, em chama derretido. No seu conjunto estes dois quartetos podem ser vistos como uma espécie de descrição de um sentimento contraditório. O poeta sente e descreve o que sente.

Os dois primeiros versos do primeiro terceto se abrem, significativamente, com uma condição Se és fogo (v.9) e Se és neve (v.10) e se fecham por um questionamento: ´´como passas brandamente?`` e ´´como queimas com porfia?``. Podemos dizer que o poeta passa a investigaras as contradições provocadas pelo sentimento amoroso. Ao questionar a contradição extrema que há entre estes dois versos, o eu lírico aproxima os elementos que se fundirão em uma única expressão.

O poeta conclui o soneto apresentando a razão da natureza contraditória do sentimento que o domina. A prudência, que para suavizar, ou melhor, disfarçar a tirania do Amor: ´´quis que aqui fosse a neve ardente, Permitiu, parecesse a chama fria``( um sentimento contido contra a paixão que ameaçava dominá-lo).

Embora sejam construídas a partir da oposição dos mesmos elementos, temos uma inversão na posição de cada um deles: ´´neve ardente``, em que o primeiro elemento refere-se ao frio e o segundo ao calor, em ´´chama fria``, temos primeiro a referência ao calor e depois ao frio. Ambos são paradoxos que encaminham a fusão completa entre os opostos.

A bipolaridade é uma técnica barroca: tomam-se dois elementos, complementares ou contrários, que vão sendo comentados até trazerem uma conclusão: o amor é comparado ao mesmo tempo ao fogo e à água. O fogo – retomado como ´´ardor, incêndio, abrasar, chamas, queimar, temperar, ardente`` – é contraposto, em cada verso, à água – retomada como ´´pranto, derramar, mares, rio, neve, lágrimas, fria``.

Gregório de Matos percebe o mundo principalmente através dos sentidos: o ardor é uma sensação térmica, assim como o fogo; a água e a neve também dão ideia de temperatura, embora oponham-se pelo tato (uma é líquida, a outra é sólida); o pranto e o mar, elementos que pelo tato percebemos serem líquidos e que pelo paladar percebemos serem salgados, opõem-se a rio e neve, que são insípidos. O processo de percepção sensorial e afetiva do universo é bastante comum na literatura barroca e recebe o nome de cultismo.

Análise do poema: Desenganos da vida humana, metaforicamente

Desenganos da vida humana, metaforicamente

É a vaidade, Fábio, nesta vida,
Rosa, que da manhã lisonjeada,
Púrpuras mil, com ambição dourada,
Airosa rompe, arrasta presumida.

É planta, que de abril favorecida,
Por mares de soberba desatada,
Florida galeota empavesada,
Sulca ufana, navega destemida.

É nau enfim, que em breve ligeireza
Com presunção de Fênix generosa,
Galhardias apresta, alentos preza:

Mas ser planta, ser rosa, nau vistosa
De que importa, se aguarda sem defesa
Penha a nau, ferro a planta, tarde a rosa?

Vocabulário:

Lisonjeado: agradado, satisfeito.

Airoso: gracioso, elegante.

Presumido: arrogante, vaidoso.

Soberba: orgulho desmedido.

Galeota empavesada: embarcação enfeitada.

Sulcar: cortar.

Ufano: que se sente orgulhoso, honrado.

Fênix: na mitologia, ave imortal que renasce das cinzas.

Galhardia: elogio, elegância.

Aprestar: preparar.

Alento: ânimo, coragem.

Penha: rocha, pedra.

Desatada: desprendida, solta.

Púrpura: cor vermelha.

Apresta: verbo aprestar, preparar rápido.

Alentos preza: gostar de receber elogios.

Nau: navio.

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Exemplar espelho da técnica cultista ( jogo de palavras), o poeta Gregório de Matos trabalha a temática dos estados contraditórios da condição humana e a vaidade da vida material. Na forma, percebe-se toda a herança do Renascimento: um soneto clássico de versos decassílabos (a ´´medida nova`´ dos renascentistas servindo de pano de fundo para o tema de reflexão moral), com rima em ABBA ABBA CDC DCD, no melhor estilo petrarquiano.

Começando pela análise do título (longo e explicativo), sabemos que o texto vai tratar das desesperanças da vida humana. Desengano é desilusão; desesperança. Somos desenganados quando sabemos que não resta mais nada a fazer para que algo ruim deixe de acontecer. Essas desilusões da vida humana serão abordadas de forma metafórica no texto.

O poeta usou nesse soneto três metáforas para a vaidade: ´´rosa``, ´´planta`` e ´´nau``. A metáfora (provém do grego meta: mudança, + phora: transporte) é uma figura de linguagem em que se emprega um termo por outro, mantendo-se entre eles uma relação de semelhança; é uma ´´comparação abreviada``.

Utilizando-se de disseminação e recolha (conceitos e palavras espalhados ao longo das estrofes e retomados na última), o eu lírico, em tom exortativo, dirige-se a um vocativo, ´´Fábio``, chamando-lhe a atenção para a efemeridade existencial; inútil a vaidade, pois, sendo esta, metaforicamente, rosa matinal, planta na primavera e barco, encontrará, respectivamente, e de modo inexorável, a tarde, o machado e o penhasco, índices inquestionáveis de sua destruição.

Logo no primeiro verso, uma figura de linguagem é apresentada através da inversão da ordem direta dos termos da oração (hipérbato): ´´É a vaidade, Fábio, nesta vida``. Na ordem direta, ficariam assim: Fábio, nesta vida, a vaidade é. A expressão ´´nesta vida`` (adjunto adverbial) define a circunstância sobre a vaidade: é uma desilusão da vida humana, terrena, desta vida e não da outra, eterna, celestial.

Primeiramente, são mostradas as qualidades de cada um desses elementos metafóricos através de uma gradação crescente. Como a rosa, a vaidade ´´rompe airosa``(elegante); como planta, favorecida pelo mês de abril (quando é primavera na Europa), ela segue rapidamente, feito uma ´´galeota empavesada``; e, como uma nau ligeira, preza alentos e galhardias (elogios e elegâncias).

No último terceto, o poeta lança uma adversidade, uma contrariedade, realçando o conflito existente no texto (emprego da conjunção adversativa ´´mas``). Retoma todos os elementos comparativos, dispostos agora na ordem inversa (gradação decrescente): a penha (pedra) destrói a nau, assim como o ferro (o emprego de ´´ferro`` por ´´machado``, isto é, a matéria pelo objeto: metonímia) destrói a planta, e a tarde (o tempo que passa) destrói a rosa.

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A lição barroca é clara: de que adianta ao homem encher-se de vaidade, se a morte o aguarda, e diante da morte tudo vira nada? Observe que esse poema cristaliza o conflito barroco: de um lado estão os prazeres da vida e o desejo de gozá-los; de outro, a certeza da morte e do fim de tudo.

A conclusão a que se chega, portanto, é que a vaidade é frágil e efêmera. O poema, embora de natureza filosófica, acaba por levar a uma saída religiosa, não explícita: já que não tem valor o corpo, porque tudo passa e o corpo envelhece, o melhor é mesmo cuidar das coisas do espírito, da salvação.

Análise do poema: À instabilidade das cousas do mundo

Moraliza o poeta nos ocidentes do sol a inconstância dos bens do mundo

Nasce o Sol, e não dura mais que um dia,
Depois da luz se segue a noite escura,
Em tristes sombras morre a formosura,
Em contínuas tristezas a alegria.

Porém se acaba o Sol, por que nascia?
Se formosa a luz é, por que não dura?
Como a beleza assim se transfigura?
Como o gosto da pena assim se fia?

Mas no Sol e na luz, falta a firmeza,
Na formosura não se crê constância,
E na alegria sinta-se tristeza.

Começa o mundo enfim pela ignorância,
E tem qualquer dos bens por natureza
A firmeza somente na inconstância.

A poesia de Gregório de Matos guarda alguns traços marcantes da poética renascentista: trata-se de um soneto (14 versos, distribuídos em 2 quartetos e 2 tercetos), cuja temática está centrada na reflexão moral e filosófica – o título longo e explicativo da poesia , que é uma característica barroca, evidencia o caráter moralizante do texto.

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O esquema de rima é ABBA, ABBA, CDC e DCD. Os versos são decassílabos heróicos. Existe um outro tipo de verso decassílabo. Ele se chama sáfico e apresenta tonicidade na 4.ª, 8.ª e 10.ª sílabas. Seu esquema rítmico é 10 (4-8-10). Façamos uma releitura dos versos 2 e 3. Podemos verificar que esses dois versos oscilam sua acentuação: tanto podem ser considerados heróicos quanto sáficos, pois também poderíamos metrificá-los desta forma:

De / pois / da / LUZ / se / (SE) / gue a / NOI / te es/ CU / (ra)

Em/ tris / tes /SOM /bras/(MOR)/ re a /FOR / mo / SU / (ra)

O esquema rítmico, neste último caso, conservaria um acento secundário, menos forte, na 6. ª sílaba. Podemos dizer que nesses dois versos ocorre uma tensão métrica. O mesmo fato vai ocorrer no 1. º terceto, no verso 10. A tensão – que pode ocorrer no plano da métrica ou em outros planos – é um fenômeno que enriquece um poema, por ampliar seu campo de significação.

O texto trata da transitoriedade da vida, da efemeridade das coisas do mundo, tema bastante caro ao barroco. O poeta utiliza como exemplos da transitoriedade da vida o Sol que não dura mais que um dia, a noite que segue a luz, a beleza que acaba em tristes sombras e a alegria que se transforma em tristeza. É um poema predominantemente conceptista, argumentativo.

Logo na 1ª estrofe, o poeta trabalha com uma característica barroca: o pessimismo, isto é, uma visão negativa para as coisas do mundo e acentua os contrastes através de antíteses (Sol / noite; luz / sombra; alegria / tristeza). O poeta faz considerações sobre a condição humana, diante das instabilidades do mundo. O caráter aflitivo é representado pelos hipérbatos (inversões sintáticas que denotam a desordem do pensamento): ´´Depois da luz, se segue a noite escura``; ´´Em tristes sombras morre a formosura`` e ´´Em contínuas tristezas, a alegria`` (verso marcado pela elipse de um termo: morre, artifício muito comum durante a época barroca.).

Na 2ª estrofe, outra característica do estilo barroco é apresentada: a dúvida, a incerteza, marcadas pelo paralelismo construído através das interrogações – só contém perguntas sem respostas.

A consciência angustiante da fugacidade da vida, da brevidade das alegrias e da passagem do tempo que tudo destrói são expressas nas últimas estrofes por meio de paradoxos ( antítese levada ao extremo – ideias que se chocam, ideias aparentemente absurdas) , onde o poeta funde os opostos :´´E na alegria sinta-se tristeza `` (3ª estrofe) o que gera o verso-síntese: ´´A firmeza somente na inconstância``( 4ª estrofe).

Sendo assim, depois de demonstrar a efemeridade das coisas do mundo, o poeta afirma que a única coisa firme, constante, é o fato de nada ser constante.

Décima: antologia de humor e sátira

Décima (lat. décima) é cada uma das dez partes que se pode dividir alguma coisa.Designa o poema ou estrofe de dez versos. Largamente empregada, sobretudo como estrofe, nos séculos XVII e XVIII, a décima foi menos apreciada pelos românticos, mas os parnasianos repuseram-na em circulação. Em vernáculo, podem-se encontrar exemplos desde a Fênix Renascida (séc. XVII) até Alberto de Oliveira (séc. XIX e XX). Os cantadores nordestinos utilizaram-na com frequência. A rima usual é ABBAACCDDC.

Também chamada ´´pequeno soneto``, a décima, graças à condensação de efeito que alcança, adapta-se eficazmente aos temas epigramáticos e satíricos. De Gregório de Matos, que cultivou a décima como poema isolado, transcrevemos os poemas a seguir:

A um livreiro, que havia comido um canteiro de alfaces com vinagre

Levou um livreiro a dente

De alface todo um canteiro,

E comeu, sendo livreiro,

Desencadernadamente.

Porém, eu digo que mente

A quem disso o quer tachar;

Antes é para notar

Que trabalhou como um mouro,

Pois meter folhas no couro

Também é encadernar.

Vocabulário

Levou a dente: devorou.

Couro: termo da gíria; bucho, barriga.

Trabalhar como um mouro: trabalhar como os mouros trabalhavam em Portugal e Espanha, para poderem pagar os pesados impostos com que eram carregados por estas duas nações. Daí o verbo mourejar. Ainda há o adágio: ´´servir como um mouro``.

O jogo de palavras, o trocadilho, importante característica barroca, é o recurso estilístico que otimamente se aplica ao espírito satírico, à ironia, a ponto de o próprio padre Antônio Vieira constantemente usá-lo com este fim, nos seus sermões.

A sátira de Gregório de Matos busca, então, a graciosidade, nestes versos, jogando com expressões, tais como desencadernadamente, folhas no couro, encadernar. Este gênero popular apresenta uma linguagem simples, com vocabulário cujo sentido possa ser imediatamente compreendido.

Os versos são curtos, conduzindo à ligeireza rítmica. Estes são de 7 sílabas (heptassílabos/ redondilha maior).

Le / vou / um / li /vrei / ro a /den / te

De al / fa /ces / to / do um /can / tei /ro

Nos quatro primeiros versos do poema, Gregório de Matos retrata a gulodice do livreiro, que devorou um canteiro de alface. O poeta cria uma palavra desencadernadamente, em que a palavra encadernada, acrescida do prefixo des e do sufixo mente, fixa a sugestão de grandeza, do exagero, em relação ao indivíduo glutão, a sua voracidade, além, talvez, de sugerir um sentido injurioso, como se estivesse dizendo desavergonhadamente.

No verso "De alfaces todo um canteiro", percebemos que há uma inversão sintática (anástrofe, figura caracterizada pela anteposição do determinante ao determinado). A ordem direta seria: Todo um canteiro de alfaces.

Na parte final do poema (do verso seis ao dez), Gregório salienta que o livreiro não tinha somente o defeito da gula (´´Antes é para notar``);também era preguiçoso, ´´vagabundo``, satirizado pela expressão ´´Que trabalhou como um mouro``, ou seja, como um escravo para poder ´´meter folhas no couro`` (encher a barriga), como se fosse um objeto de trabalho (´´Também é encadernar``).

Logo, a sátira polemiza as habilidades de sobrevivência do livreiro da seguinte forma: era mais importante comer do que encadernar.

Ironia, deboche, humor e irreverência são marcas na sátira deste poeta. A alcunha ´´Boca do Inferno`` foi dada a Gregório por sua ousadia em criticar a Igreja Católica, muitas vezes ofendendo padres e freiras.

Esta décima (estrofe com dez versos, com rima usual ABBAACCDDC, versos de sete sílabas—heptassílabos comumente chamados de redondilha maior) foi dedicado a uma freira que publicamente, resolveu satirizar o poeta pela fisionomia delgada e um nariz saliente, chamando-lhe de ´´Pica-Flor``(passarinho, o mesmo que beija-flor). Gregório, não deixou por menos e lhe respondeu em versos:

A uma freira que satirizando a delgada fisionomia do poeta lhe chamou "Pica-Flor".

Se Pica-Flor me chamais,
Pica-Flor aceito ser,
Mas resta agora saber,
Se no nome que me dais,
Meteis a flor que guardais
No passarinho melhor!
Se me dais este favor,
Sendo só de mim o Pica,
E o mais vosso, claro fica,
Que fico então Pica-Flor.

Neste poema, percebe-se claramente a manobra adotada por Gregório, que fragmenta o termo ´´pica-flor`` extraindo os lexemas que o compõem, para conferir-lhes novas significações . Observa-se que estes versos têm uma conotação erótica, pois o poeta utiliza expressões que remetem ao ato de cópula. Tratado pela freira por "Pica-flor" o mesmo diz aceitar a alcunha desde que esta tenha um lugar para guardá-lo. Ao ocorrer tal possibilidade, permite que ela assim o chame.